De Glaceertechniek

(You can read the English version of this article here)

Een artikel over de glaceertechniek in de schilderkunst.

Je hebt waarschijnlijk weleens gehoord van de glaceertechniek in de schilderkunst. Hoewel de term wordt gebruikt om de techniek van het overwegend in transparante lagen schilderen te beschrijven, is er meer dan alleen dat. In dit artikel hoop ik enig inzichten te geven in de techniek, de geschiedenis en het gebruik van glaceren in de schilderkunst.

Een beetje geschiedenis en introductie.

We kunnen zeggen dat sinds het gebruik van olieverf, de glaceertechniek ook gebruikt begon te worden. Van de vroege meesters in de 15e eeuw tot vandaag is glaceren een gevestigde techniek geworden die om verschillende redenen werd gebruikt.
Een belangrijke reden was om het risico op barsten van verf te verminderen. Vanwege de toen slechte kwaliteit van lijnolie en pigment was het risico van barstende verf hoger dan vandaag. Tegenwoordig is de olieverf van zo’n hoge en betrouwbare kwaliteit dat het risico van scheuren of barsten bijna wordt gereduceerd tot alleen het ongeoefende en onervaren gebruik van het materiaal.
Het barsten van verf gebeurt om verschillende redenen. Een van de meest voorkomende is het oud worden van de verf. Wanneer een schilderij ouder wordt, verslapt het canvas omdat het de langdurige trekkracht niet kan verdragen. Desalniettemin, wanneer er voldoende olie op de verf is aangebracht, is het risico van barsten sterk verminderd. Een meer voorkomend, en vaak iets dat elke schilder angst aanjaagt, is het barsten van verf dat ontstaat door het gebrek aan olie of oneigenlijk gebruik van additieven of medium. Over het algemeen (maar wees voorzichtig met mijn generalisatie) kun je zeggen dat het verdunnen van verf met iets anders dan olie het gevaar van scheuren en barsten verhoogt.
Maar waarom schilderen in meerdere dunne lagen (soms meer dan 40 lagen) in plaats van een of twee vette lagen?
Door dunne, wel of niet transparante, lagen in de verf te gebruiken, wordt de verffilm erg sterk en flexibel. Iets dat ook handig is gebleken bij het transport van schilderijen. Nog steeds zijn enkele schilderijen uit de 16e eeuw flexibel genoeg om op te rollen en opnieuw in te lijsten. De flexibiliteit van de film (de feitelijke verzameling van verschillende verflagen) was het resultaat van het gebruik van meer lijnolie bij elke laag die aan het schilderij werd toegevoegd. Met de ontdekking van het ‘vet over mager’-principe, wat betekent dat elke nieuwe laag meer olie bevat dan de vorige laag, werd deze’ film ‘nog sterker en duurzamer.
Bij gebruik van slechts één of twee vetlagen ontstaat er nog een ander probleem, vooral wanneer de laag nogal dik is. Wanneer lijnzaadolie opdroogt, droogt het van buiten naar binnen vanwege het contact met de omringende zuurstof. Hoe meer zuurstof aanwezig is, hoe sneller het uithardingsproces zal verlopen. Bij gebruik van een dikke laag lijnzaadolie, zonder toevoegingen, zal het risico van druipende verf een schadelijk effect hebben. Sommige schilderijen van Vincent van Gogh hebben dit probleem. Vanwege het feit dat er soms zeer dikke verfklodders gebruikte, en de verf verschrompeld aan de buitenkant maar zacht blijft aan de binnenkant, was het resultaat dat deze schilderijen niet lang tentoongesteld kunnen worden vanwege het feit dat de verf begint te ‘hangen’.

Lijnzaadolie of lijnzaadolie (vlasolie) heeft een lange weg afgelegd sinds het als medium werd geïntroduceerd. Naast drager voor pigment is lijnolie ook erg voedzaam, uiterst handig om hout gezond en beschermd te houden en wordt het gebruikt voor vergulding.
Binnen de schilderkunst kennen we nu drie aanvullende toepassingen van lijnolie.
De eerste is de meest gebruikte: koudgeperste lijnolie voor het maken van olieverf.
De tweede is de standolie. Lijnzaad verwarmd bij een temperatuur van 300 °C gedurende enkele dagen in de volledige afwezigheid van lucht. Het geeft een dikke olie die uitstekend is voor glaceren.
De derde is gekookte lijnolie, waarvan het belangrijkste karakter is dat het sneller droogt door het toevoegen van een metaal, wat het droogproces versnelt.

Een andere reden om glaceren te gebruiken, is om een ​​optische diepte in de verflaag te creëren. Door de vele transparante lagen werkt elke laag als een individuele, optische film met een eigen karakter. Samen vormen ze een goed geënsceneerd, door het vooropgestelde plan van de kunstenaar, spectrum van verschillende lagen die resulteren in een ongelooflijk mooi effect van diepe optische diepte. Dit gebruik van glaceren vereist echter een grondige kennis van materialen en het gedrag ervan. Niet alleen moet je een goed planning maken in het volgen van de juiste stappen waarbij het vet over mager principe wordt gebruikt, maar is ook een stevige kennis van pigmenten en het gedrag hiervan nodig om de gevraagde resultaten in glaceren te kunnen waarborgen. Ook, en dit is waar het een lastig en complex proces wordt, wanneer het hoofdbestanddeel voor glaceren, de olie, wordt gecombineerd met andere mediums. Alle medium die aan dit proces van glaceren wordt toegevoegd, hebben binnen elke stap hun eigen karakteristieke effect op het proces.

De techniek van glaceren.

Om het simpel te houden, blijf ik bij de belangrijkste en klassieke benadering van glaceren.

Binnen de geschiedenis van de schilderkunst en glaceren hebben veel kunstenaars bijgedragen aan de ontwikkeling van deze techniek. De meeste kunstenaars hadden echter hun eigen specifieke aanpak en creëerden hun eigen mengsels, die niet werden gedeeld of alleen werden overgedragen aan hun studenten. Er is nauwelijks enige documentatie vastgelegd om te onderzoeken.
Tegenwoordig zijn er diverse moderne mediums die gemaakt worden van ofwel gewijzigde lijnolie of een synthetische basis hebben waarbij het in de meeste gevallen een alkyd als hoofdbestanddeel heeft.
We weten, door studies van schilderijen gemaakt met de glaceertechniek in de 15e en 16e eeuw, dat de klassieke glaceertechniek in basis een vast plan heeft van stappen waarin vele (persoonlijke) aanpassingen mogelijk zijn.

DE KLASSIEKE GLACEERTECHNIEK.

De basis van deze techniek ligt in het vet over mager principe. Maar wat is dit principe nu? Het vet over het mager principe betekent dat elke nieuwe laag verf meer olie moet bevatten dan de vorige. Om dit goed te doen, moet je ervoor zorgen dat je grondlagen inderdaad zo mager mogelijk moet zijn. Het is met dit in gedachten dat de werkelijke grondlaag, die in de meeste gevallen een verf is die een al zeer mager pigment bevat, zoals gebrande omber. Om het nog magerder te maken, kun je er wat natuurlijke terpentijn aan toevoegen. In een klassieke benadering zou je dit opvolgen met nog twee grondlagen om een ​​goede basis te creëren voor alle volgende lagen. Je moet in gedachten houden dat elke laag die je erop legt een deel van de olie van de volgende laag zal absorberen. Dit proces zorgt ervoor dat elke laag een stevige hechting geeft. Nu je dit weet kun je jezelf wellicht voorstellen wat er zou gebeuren als een vorige laag vetter is dan de volgende laag. De eerste laag zou al verzadigd genoeg zijn van olie, dat het geen olie van de volgende laag kan absorberen, wat resulteert in een onveilige en slechte hechting. Een manier om dit te testen (hoewel ik dit niet aanraad om te proberen met dat mooie schilderij dat je van plan was om aan te schaffen om te zien of de kunstenaar zijn vak al dan niet begreep) is om een ​​stukje tape te nemen en het op het schilderij te plakken. Wanneer je de tape eraf haalt en je er schilfertjes van verf loskomen, weet je dat het vet over mager-principe niet correct is gebruikt.

Om dit principe correct toe te passen, is het van groot belang dat je een idee hebt van wat het schilderij uiteindelijk moet worden. Je zou niet de eerste zijn die dit principe probeert te volgen en verstrikt raakt in de enthousiaste benadering om ofwel te weinig of te veel olie te gebruiken en uiteindelijk een te droge of veel te vette verflaag te krijgen. Het is daarom belangrijk dat je weet wat je wilt doen, wat je doel in resultaat is en hoe je dit principe moet toepassen.

Maar laten teruggaan naar de klassieke glaceertechniek.

Nu we weten hoe belangrijk het vet over mager principe is, kunnen we beter begrijpen hoe en waarom dit wordt toegepast binnen de glaceertechniek. Zoals eerder gezegd, biedt de glaceertechniek een prachtig diep en warm kleurenpalet wanneer toegepast. Maar er is meer aan de hand. Wanneer we schilderen maken we keuzes over hoe we bepaalde kleuren tot stand laten komen. We kunnen deze kleuren krijgen door deze te mengen op het palet. Als we paars willen, kunnen we rood toevoegen aan blauw. Dit soort kleuren hebben echter een nadeel: het verliest aan helderheid en intensiteit. Dit wordt zelfs nog versneld wanneer er titanium wit aan wordt toegevoegd. Je zult zien dat de kleur zijn glans verliest. Wanneer we echter de glazuurtechniek gaan gebruiken om paars te krijgen, beginnen de dingen er heel anders uit te zien. Allemaal vanwege het feit dat elke kleur, omdat deze gevangen zit in zijn eigen oliefilm, zijn eigen helderheid behoudt. Een kleur, meestal de niet primaire kleuren, die op het doek wordt geconstrueerd door het toepassen van de glaceertechniek, is zoveel dieper, warmer en helderder in kleur dan een vooraf gemengde kleur.

Tijdens de 15e tot de 17e eeuw was het niet ongebruikelijk dat een heel schilderij bestond uit kleuren die werden geconstrueerd door deze techniek toe te passen. Hoewel het tijdrovend was, gaf het twee belangrijke voordelen aan het schilderij; het feit dat de kleuren zeer helder en warm waren en, hoewel de kunstenaar er zelf niet van kon genieten, het behoud van het schilderij zoveel veiliger werd met de rijke hoeveelheid olie in het schilderij.
Zoals je je nu wellicht kunt voorstellen, vereiste deze techniek een goed samengesteld plan, een gedegen kennis met betrekking tot het vet over mager principe, maar ook een goed gefundeerde kennis van elk pigment, olie en andere additieven, om met deze techniek te werken.
Om een bepaald ​​resultaat te voorspellen, dat vooraf bepaald werd, moest men beginnen met een basiskleur. Daarna kan het tot meer dan twintig lagen bevatten om tot het uiteindelijke gewenste resultaat te komen. Elke toegevoegde laag moest in percentage aan olie en in transparantie worden verhoogd om alle invloeden, van alle voorgaande kleuren die aan dit proces werden toegevoegd, te behouden. Je kunt je voorstellen dat, als je een doorsnede van zo’n verffilm zou maken, je een laag over laag transparante kleuren zou zien die uiteindelijk samen de kleur produceren.
In sommige gevallen, en ik spreek hier uit ervaring, kan de glaceertechniek op zo’n manier worden gebruikt dat er een diepe en heldere kleurschakering ontstaat dat op een soort opaal- of parelmoerkleurige mix lijkt. Dit kan worden verkregen door veel verschillende kleurenlagen toe te voegen aan een basis van lichte kleuren. De lichte basiskleur gaat dienen als een reflector voor het invallende licht, dat vervolgens, wanneer het wordt gereflecteerd, teruggaat door de verschillende kleurenlagen. Het resultaat is een enorm kleurenbereik, dat verschillend is van elke invalshoek.
De schoonheid van deze techniek is het feit dat je de mooiste en meest indrukwekkende kleuren kunt maken die inderdaad een prachtige ervaring zullen geven wanneer je een beetje met licht speelt.

Nu kan ik begrijpen dat je nu, terwijl je dit leest, de boel als behoorlijk abstract ervaart en je nog steeds met de vraag zit hoe het glaceren in zijn werk gaat. Het wil zo zijn dat, zelfs wanneer je de basis van het vet over mager principe begrijpt, deze techniek complex blijft. Zoals gezegd heeft elk pigment zijn eigen karakter, reageert anders op elk ander pigment en heeft zijn eigen karakter wanneer toegevoegd aan olie. Dan is er het feit dat je in veel gevallen een ander medium zoals papaverolie of saffloerolie wilt toevoegen om de substantie dunner te maken. Bij het werken met verschillende lagen standolie, zal een onvermijdelijk effect zijn dat elke volgende laag moeilijker toe te voegen is. Lijnzaadolie heeft een lange tijd nodig om uit te harden. In sommige gevallen meer dan een jaar. Het is daarom dat wanneer je je schilderij wilt vernisten, je altijd een jaar moet wachten om dit te doen. Tijdens het glaceren kun je echter niet zo lang wachten. In feite zou het hele proces worden vernietigd omdat de verffilm te veel gehard zou zijn om olie van de volgende laag te kunnen absorberen.
Om je echter niet geheel in het ongewisse te laten na het lezen van dit artikel geef ik je een eenvoudig programma waarmee u kunt experimenteren. Het vertelt je alle stappen van start tot finish, maar zonder specifieke details van metingen. Dit programma vertelt je niet de klassieke, en meer complexe methode, maar het geeft een eenvoudige insteek die ook het basisprincipe van vet over mager leert te begrijpen.

Als je vragen hebt, stuur me dan een mail. Ik help je graag verder.

BASIS BEGLAZINGSPROGRAMMA:

Stap 01. grondlagen.

Maak de eerste laag van alleen gebrande omber met net voldoende terpentijn om de verf een beetje dunner te maken. Voorkom dat er structuur in de verf ontstaat. Maak er een vloeiende laag van.
De volgende dag kun je de tweede laag plaatsen. Gebruik gebrande omber, ultramarijn blauw en wat titaniumwit. (Ongeveer 1: 1: 1) Voeg er niets aan toe.
De derde grondlaag is dezelfde als de tweede, maar misschien voegt je er iets meer titaniumwit aan toe. Aan deze laag voeg je twee druppels standolie toe.

Stap 02. Maak je opzet.

 

Om er zeker van te zijn dat alle verf die u hier gebruikt dezelfde hoeveelheid toegevoegde standolie heeft, is het verstandig om de verf vooraf te mengen. De hoeveelheid standolie die aan deze verf wordt toegevoegd, moet iets meer zijn dan in de derde laag van stap 1, maar nog steeds erg weinig.

Stap 03. Je opzet uitwerken.

Voordat u de eigenlijke glaceringsprocedure start, wilt je misschien eerst de opzet wat meer uitwerken. Als je merkt dat je dit wil doen, voeg dan opnieuw een paar druppels standolie toe aan je verf.

Stap 04. Beginnen met de beglazing.

Nu je een goede basis hebt, kun je beginnen met glaceren. Bepaal met welk deel van het schilderij je wilt werken. Welke kleur moet het worden en zorg ervoor dat u weet welke kleuren u moet gebruiken. Aan de andere kant is het maken van enkele fouten niet zo erg. Het zal je een goede ervaring geven. Zorg ervoor dat je bij elke nieuwe laag wat standolie toevoegt. Wanneer je transparant wilt werken, kunt je een beetje terpentijn aan het mengsel toevoegen. Het beste is om hierachter te komen is door te proberen de juiste verhoudingen te krijgen tijdens het mixen.
Als je transparant wilt blijven werken, zorg dan dat elke volgende laag meer standolie en mindere terpentine bevat.

Stap 05. Het beglazingsproces voltooien.

Uiteindelijk, wanneer je op het punt komt dat je een serieus aantal transparante lagen hebt gemaakt, kom je op het punt dat je niet meer terpentine meer kunt toevoegen. Het gebruik van alleen standaardolie maakt de verf echter behoorlijk dik in gebruik. In dit geval kunt u standolie gebruiken met nog een beetje terpentijn en een paar druppels papaverolie of saffloerolie toevoegen. Dit maakt de verf mooi dun en gemakkelijker om mee te werken. Een waarschuwing echter. De papaverolie of saffloerolie heeft een iets andere samenstelling, waardoor het in sommige gevallen lijkt alsof het niet wil binden met de vorige laag. Om dit te voorkomen, kunt u het mengsel van standolie, terpentijn en papaverolie vooraf mengen voordat u het aan de verf toevoegt.

Dat is het! Een heel, heel eenvoudig programma om je glaceerproces te starten.

Wees extra voorzichtig in het toevoegen van olie! Het is heel gebruikelijk om te snel te gaan met het gebruik van te veel olie. Voor de rest, veel plezier! Experimenteer, doe het met vreugde en zonder verwachtingen. Zie het als een leerproces. Maakt het allemaal zoveel leuker.

Advertisement

Buiten Schilderen

(This article is also in English. Click here)

En Plein Air.

Je schildert, of misschien ook niet, en je wilt buiten gaan schilderen. Nooit eerder gedaan, maar op de een of andere manier voel je de roeping. Dus verzamel je je nieuw gekochte veldezel, je penselen en kleinere verftubes omdat je je goed hebt voorbereid en geen extra lading wilt dragen, en ga je naar een mooi, lokaal plekje om te schilderen. Het weer is geweldig, de vogels zingen, vlinders fladderen rond en je voelt je goed. Je bereidt je minipallet voor, drinkt snel een beetje water en bent klaar om te starten. Maar ojee, je hebt dit nog nooit eerder gedaan. Hoe begin je? Je hebt zoveel jaren ervaring, je kent je spullen, maar op de een of andere manier kom je vast te zitten met de warme bries rond je nek.

Herken je dit? Vertrouw me, je bent niet de eerste, of de enige, of de laatste die ontdekt dat het schilderen buiten heel anders is dan schilderen in je atelier.

In dit artikel hoop ik een beetje uit te leggen waarom dit gebeurt (je zult zien dat het best te verwachten is) maar meer over hoe je het beste uit het buiten schilderen kunt halen.

Een beetje geschiedenis.

Buiten schilderen, of En Plein-Air zoals de Fransen het noemden, is niet zo oud als je zou verwachten. Het was allemaal te danken aan twee dingen. Allereerst de uitvinding van olieverf. Hoewel de 15^de eeuw als de periode wordt gezien waar het gebruik van olieverf zou zijn begonnen was het veel vroeger dat de olie werd gebruikt om een ​​verf te maken. Verschillende grotschilderingen zijn gevonden met pigmenten verborgen in notenolie. Ook tijdens de middeleeuwse periode gebruikten monniken lijnolie voor hun boekschilderijen. De tweede was de uitvinding van een drager voor de olieverf, die in 1841 werd gedaan door de Amerikaanse schilder John Goffe Rand. Hij gebruikte een varkensblaas gecombineerd met glazen injectiespuiten om olieverf te vervoeren. Door zijn uitvinding ontstond er een heel nieuw gebied van schilderkunst.

Er wordt aangenomen dat het Pierre-Auguste Renoir was die zei: “Zonder verf in tubes zou er geen impressionisme zijn geweest.”
Klinkt logisch. Impressionistische schilders werden bekend om hun kleurrijke, wilde en, zoals de beweging kreeg zijn naam, zeer impressionistisch in benadering. Veel impressionisten worden nu aangehaald voor de uitspraken dat het belangrijkste doel van het, op deze manier schilderen, was om een ​​echte indruk te geven van dat specifieke moment van de dag. De poging wagen om dat ene moment van de dag waarin je de pracht van wat je ziet probeert te vangen met verf op je doek.

Eenieder van jullie, die de vreugde van buiten zitten heeft ervaren en de uitdaging voelt om dat specifieke licht te vangen, de steeds veranderende kleuren, de temperatuur, en probeert om dit binnen een bepaalde tijd op je doek te zetten, zal dit herkennen.
Maar wat maakt het zo anders dan in een atelier werken? Het meest voor de hand liggende is natuurlijk dat je niet binnen bent maar buiten werkt. Hoewel verwacht, kunnen de invloeden van buiten, de wind, de zon, de geluiden en natuurlijk de regen een groot effect hebben op hoe je zit te schilderen. In je atelier is heel anders. Je kunt vrijwel alles aanpassen om je werkruimte zo aangenaam en constructief mogelijk te maken voor je werk. Probeer dit met die moeilijk te bereiken rotsachtige plek achter een grote boom naast een rivieroever. En toch raken steeds meer schilders, wanneer ze de magie van het buiten schilderen ontdekken, serieus verslaafd.

Om buiten te werken, kun je het beste elke verwachting over wat je kunt verwachten, wat het zal zijn of wat je wilt gaan schilderen, thuis laten liggen. Waarom? Omdat het altijd anders zal zijn.
Zodra je een mooi plekje hebt gevonden, alle rondvliegende insecten die in je verf terecht komen hebt geaccepteerd, geleerd om te beslissen wat je wilt schilderen, ontdek je al snel de ondraaglijke pijn van het veranderende licht. Vertrouw me, zelfs op een mooie zonnige dag met een heldere blauwe lucht zonder een briesje, zul je een steeds veranderend lichtlandschap aan je voorbij zien trekken. Het schilderij dat je start zal nooit meer hetzelfde zijn als het werk dat zich aan het eind van je zit aan je presenteert.

Enkele praktische tips.

De huidige handelaren in kunstenaarsbenodigheden lijken tegenwoordig precies te weten wat je nodig hebt om je doel als artiest te bereiken. Waas het maar zo eenvoudig. Sommige gadgets die er zijn, kunnen je buiten-schilder-ervaring inderdaad een stuk aangenamer maken. Maar maak niet de fout, en de kans is groot dat je dit toch doet of al gedaan hebt, om te denken dat een dure, ultramoderne uitrusting een garantie is voor geweldige schilderkunst. Excuus voor mijn vooringenomenheid. Het is veel waarschijnlijker zijn om te weten dat het jouw ervaring, je doorzettingsvermogen en uithoudingsvermogen zal zijn die voor mooie resultaten zal zorgen. Niettemin zijn sommige apparaten onvermijdelijk om buiten te werken.

Om te beginnen heb je een ezel nodig. En zelfs de noodzaak ervan is te betwisten. Tegenwoordig kun je een lichtgewicht aluminium ezel kopen die gemakkelijk te dragen is. Ook kleine ezels van hout zijn prima in gebruik en je hebt de beroemde schilderdoos-ezels die je ezel combineert met je verfdoos. Handig maar een beetje zwaarder.
Dan is er de beslissing of je wilt staan ​​of zitten. Voor mij is staan ​​geweldig, maar zitten is fijner. Ik word snel moe in mijn benen wat het schilderproces niet ten goede komt. Daarom is een opvouwbare stoel handig en prima mee te nemen.
Neem voldoende vodden of doeken mee. Het viel me op, gezien het feit dat je je penselen thuis moet schoonmaken, dat het zo handig is om veel van die lappen bij je te hebben. Handig om te bedekken, schoon te maken en uiteindelijk je kwasten in op te bergen wanneer je klaar bent met buiten schilderen in het veld.
Een ander ding om rekening mee te houden, is waar je gaat schilderen en hoe je het wilt transporteren. In mijn omgeving is er een groep plein-air schilders (ze gaan er elke week op uit, ongeacht het weer) die op ingenieuze wijze een systeem gebruiken waarmee ze meerdere panelen in een doos schuiven. Hoe handig is dat. Ik raad je echter aan om een ​​systeem te maken dat geschikt is voor jou om je werk te vervoeren. Zelf bedacht ik een soort deksel voor het schilderij. Ik werk altijd op linnen. Ik plak het canvas op een bord met een vaste maat en heb van een dunne plaat met verhoogde zijkanten een deksel gemaakt. Dat brengt ons meteen bij een andere praktische tip: de grootte van je schilderij. Als je van plan bent om met de auto te gaan en weet dat je dicht bij je auto blijft, is de grootte van je schilderij ongeveer zo groot als je auto aankan. Als je echter overweegt om een ​​mooie wandeling te maken voordat je een goede plek vindt die elke vezel van je zijn zal omhelzen en je te verteld dat je dit moet schilderen, zou je misschien twee keer moeten nadenken voordat je een doek van 1 bij 1 meter gaat gebruiken. Over het algemeen zijn panelen of canvas van kleine afmetingen gemakkelijk te dragen, gemakkelijk om mee te werken en gemakkelijker te hanteren. Omdat, en laten we dit niet vergeten, het idee van ‘en plein-air’ is om een ​​schilderij ter plekke te maken en te voltooien.

Tot zover praktische tips.

Nu enkele technische tips en suggesties.

Als je ooit de tijd hebt genomen om de impressionistische werken te onderzoeken, zul je snel merken dat er een specifiek gebruik van kleuren is. In feite worden bepaalde kleuren in veel gevallen niet gebruikt.

Als je door het landschap loopt en over de bomen, de nabijgelegen struiken, de heuvels in de verte en de verafgelegen dorpshorizon glundert, zul je als ervaren plein-air schilder meteen het verschillende palet van kleuren onderscheiden. Echter, als een typische studiokunstenaar vraag je je misschien af ​​hoe die impressionisten tot die, soms extreme, kleurenkeuze kwamen. Om dit te begrijpen is het goed het volgende te weten. Vóór de 19e eeuw, tijdens de klassieke benadering van de schilderkunst, was het algemene aangenomen om de exacte, of zo we dachten, kleur van het object te schilderen om een ​​meest overtuigende gelijkenis met de werkelijkheid uit te drukken. Omdat bijna elke kunstenaar in een atelier werkte en natuurlijk daglicht niet vanzelfsprekend was, is het niet verrassend om bijna alleen een kleurgebruik te zien die we direct herkennen als meest voor de hand liggende kleurenspectrum. Dit werd echter radicaal omgegooid door de kunstenaars die wij nu kennen als de impressionisten. Deze wisten, juist door naar buiten te gaan, te ontdekken dat door de verandering van het licht, de invloeden van atmosfeer, afstanden en vochtigheid, kleuren totaal kunnen veranderen en zich in een veel complexer spectrum aan ons oog gaven dan voorheen aangenomen. Bovendien zul je zien, wanneer je wat tijd neemt om buiten te zitten en een landschap in je opneemt, de kleuren inderdaad vibrerend en, belangrijker, niet zo conform zijn als je zou denken. De impressionist begreep dit door kleuren (opnieuw) te verdelen in warme en koude kleuren. Door deze kennis praktisch te gebruiken, begrijp je meteen waarom ze zoveel blauw en groen gebruikten voor schaduwen (koud) en felgeel, oranje en rood voor de meer zonnige en heldere delen (warm) in het schilderij.

Wanneer je jezelf de volgende keer op avontuur begeeft om buiten te gaan schilderen, moedig ik je aan om hierin eens te experimenteren en ik moedig je nog meer aan om, voordat je met je schilderproces begint, enige tijd te nemen om gewoon te zitten en te absorberen wat je ziet. Probeer voorbij het verwachte kleurenpalet te gaan, buiten dat wat je weet dat je ziet en verder dan wat je denkt dat je ziet. Neem gewoon waar en neem het in.

Buiten schilderen, ‘en plein-air’ is inderdaad een avontuur. Een ontmoeting tussen jou en wat je observeert, jij en wat jij denkt dat buiten jou is. Maar als je deze voorgeprogrammeerde overtuigingen loslaat en onschuldig observeert, zul je zien dat kleuren inderdaad meer zijn dan je op het eerste gezicht ziet.

Geïnspireerd? Ik hoop dat je naar buiten gaat en begint met het schilderen van wat je ziet. Laat het me weten.

Mocht je in de buurt zijn, Er zijn deze zomer weer diverse plein-air workshops.
Meer informatie is te vinden op www.schidercursusarnhem.nl

The Flower with four leaves

…a little story about being, choice, and awareness…
Once, there was a big tree. This tree had many flowers. They were beautiful white and all of them had four leaves. All but one. This one flower had five leaves.
The fact that this single flower had five leaves instead of four made it very special. It made this flower different from all the other flowers. At least, that’s what she made herself believe in the end. At first she didn’t know that she was different. She was just there, together with all the other flowers, being a flower and not aware of any sort of difference. But this big tree had an amazing ability. It was giving each flower the ability to think.
So, these flowers were all thinking the same thing: they thought they were beautiful. They all thought that their leaves were the most beautiful. That the yellow buds where complimenting the ivory white leaves and that having four leaves was the best amount a flower could have.

And this one flower with five leaves? She was looking just the same. She as well had a beautiful yellow bud and her leaves were beautiful ivory white as well. She had even five of them. But for all the other flowers this was strange. Why did she have five leaves? Why not four? And why was she different? They didn’t understand. So, they started to talk about her. They were telling each other that she was strange and awkward looking. And sometimes, after a period of hurtful silence, they laughed out loud and made jokes about her. Only because this flower had five leaves instead of three.

You can imagine what happens next. This flower started to feel sad and alone. She didn’t understand why all the other flowers didn’t like her. She didn’t do anything wrong.
More and more she started to close her leaves. Why wouldn’t she? Every time she would open her leaves, all she was getting were jokes and laughter from the other flowers.
And so, after some time, this flower became so sad that it started to wish that it was just like all the other flowers. She didn’t want to feel this. She wanted to feel loved. She wanted to be part of the rest. She wanted to be just white with four leaves instead of five.
And after some time she decided to change something about herself. Because she was now convinced that she was not beautiful. She was not like the others and therefor not as beautiful as they where. Now, she would make herself more beautiful. So, one night, she took all her courage and changed the colour of her five leaves from white to pink. It was really beautiful indeed. The flower was hoping that all the other flowers would see it and would find it so beautiful that they would love her and accept her. But instead, when the other flowers woke up the next morning and saw the new, pink leaves from this special flower, they started to laugh even louder. They were saying it was ridiculous. Why would she draw even more attention to herself? She was already weird. This was hurting the flower very much. She didn’t understand. Why would all these flowers be so mean? Why couldn’t they just be nice to her?
She became so sad and felt so alone that she closed her leaves for three days. Even on a beautiful sunny day, she didn’t want to open her leaves. She could hear the flowers around her chat and laugh, but was too afraid to open herself again.
Then, one night, she did something very daring. Something so drastic that all the other flowers would see that she is just like them! At midnight, when all the flowers were closed and asleep, she painfully forced one of her five leaves to fall off. It was hurting a lot. It was, as if she took a piece from herself, and threw it away. Silently, and with great sorrow, she watched how her leaf fell to the ground.

The next morning, when all the flowers woke up and started to open themselves for the first sunlight, she was full of anticipation to see if the flowers would notice what she did. And believe me, they did. They saw it. All the flowers were looking at that one leaf lying on the floor. All the flowers where watching her not knowing whether she did this on purpose or if it was an accident. Now she was the same. Just like them. There was no more difference between them and her. Immediately they became all very, very silent. It was as if they lost their voices. Not one of these flowers dared to see a word.

Then, something very special happened. From one moment to the next all the flowers started to lose their leaves. The floor beneath the tree became all white from all the leaves that were falling down. It was a real spectacle to see. For several minutes it was raining beautiful white leaves. It was a sight to see. But now, all the flowers were leafless. All but one! One flower did not lose her leaves. This flower, whom desired more than anything to be accepted, to be just like the other so she could feel loved, was the only one left with four leafs. She stood out. Again. She became special. Again!

Selfish in Nature

We are in nature selfish.

I wrote an article before on egocentric and selfishness. But as you can see I found it necessary to elaborate on this subject.

One of the first things we learn as we grow up from toddler to adolescence to adult is that we shouldn’t be selfish. We should think of others first before we may think of ourselves. We all know the sweet selfishness of the young toddlers when they take whatever they want, don’t want to share and make a whole commotion when another child is taking away their toy. And then we, the adults, do our utmost best to convince this little child, which has no clue what so ever on what you’re talking about, that it is not nice if you are not sharing. Of course we believe we do this with the best intentions and with the convincement that we are making a better person out of this child. It’s for his/her own good and benefit.
While for some part this is true, the intention can be sincere, most often the true motivation for adjusting this behaviour comes from our own childhood where we were being taught that sharing is a must and not liking that someone is taking away your toy is bad. Throughout our lives we are being believed, taught and convinced that selfishness is a bad thing. People are being praised, idolised because of their evidently selflessness while others are virtually being out casted for their supposing acts of selfishness.
And although, again, the intention for this believe might be sincere and coming from a good and healthy idea, the outcome is rather different from an actual lived attribute that is fully understood.

It is true that selfishness can be shaped in any form you want. It is true that you can use selfishness to practice an egocentric lifestyle. But what about self-love? Is self-love evenly to selfishness? I would like to say no but can imagine there is some clarification needed.
When you do a quick research about the meaning of selfishness, egocentric, self-centred or even narcissism, you will soon find that all these terms are described as a characteristic that most people would like to avoid or at least not to be judged on.
The consequences of this division, this need of classification of characteristic attributes, is that pretty everything is quickly thrown on this stack of interpretations.
From this stack I would like to take this one cart; self-love.

True love comes from loving yourself first.
Does this sound familiar? It’s a phrase you hear often these days. On social media for sure you’ll find that one of your friends has posted a beautiful photo with a similar text in it. Loving your self is a must these days. Gosh, there is a predicament. Love yourself but at the same time you need to avoid being selfish.
honestly, I don’t care much about all the designations. I do care, though, that you might feel obliged to hold back on loving yourself just for the sake of not being labelled selfish.
Self-love is a virtue. A self-given quality! Isn’t that a beautiful phrase? Self-given quality.
It already makes me happy by saying it.
But what does self-love mean? For sure it doesn’t mean that you put your own interest above others. Although sometimes you need to do so. And here we have to go back to the previously mentioned designations.

It is in no way possible to distinguish human behaviour in any sort of classifications. When you choose to live on this planet, you did so with the consciousness of freedom. Free in making choices, free in interpretation and free in how and what things mean to you. Classification, uniformity or designations are tools to make things understandable. They are not, by all means, laws to live by. All the words in the category selfish, egocentric, etc. have a general given explanation. Not to give you an ultimate law of how it is but to generally explain what is meant with using these words. It is so important to discover your own conclusion, your own meaning to certain given qualities. Such as self-love. You have an enormous valuable, rich and elaborate dictionary to your disposal, called ‘your heart’. If from anything you want to know whether feel true about it, whether it is something honest to you or a given truth, ask your heart. Feel what your heart tells you, for trust me it will not come to you in beautiful intelligent phrases that you can understand using your brain. It is that soft tone of heart, that utterly pure but oh so serene sensation that you get when being on the right path. That feeling of joy that you only experience when you speak your truth.
These are all forms of expressing self-love. It can include as many different ways of expressing as there are people. There is no one way. There is only your way!
Self-love can mean that you give yourself the liberty to make mistakes. To fender through life never really knowing who you are or what you want from life. It can include that you willingly and consciously choose to live alone. That you deliberately decide to think of yourself before others just for the sake of learning to love yourself. It honestly is beautiful to explore the love for yourself. Give yourself room, give yourself ability and perhaps for most; give yourself the pleasure of making mistakes. As I mentioned before in previous post, you have nothing to live up to. There is absolutely nothing you have to achieve! Nothing you have to earn or do before you can be what you want to be.
You are already complete!

WHY JOY (IN PAINTING) IS SO IMPORTANT

Over the years, besides teaching about painting I try to make the students aware of everything that is involved in the process of painting, how ones ability to become one with the moment has a strong influence on the success. One particular thing though, always seem to a main obstacle: the struggle to reach a certain aim. And in most cases times I tell my students how important it is to have fun in what they’re doing. I thought I could elaborate on this a bit.

Often, and this doesn’t only occurs with those who start painting, during a painting process you can find yourself coming to a point where you feel that you are stuck. This can have several different causes. For example not understanding certain technique, blocked by trying to much to understand what it is that you are painting, being convinced that you just can’t do it or any other circumstrances that implies that things are not going the way you want it. It is true, and I would be the last one to say it’s not, that getting a decent sense of technique, knowledge on material and to know at least the basics on what paint and medium does while working with it, is inevitable for learning the art of painting. With everything you wish to achieve there comes a time you will have to be on the learning side of the table to fill yourself with any given and available knowledge on what it is that you want to achive. And overcoming that feeling of being stuck or being blocked is, just as learning a specific technique, a attribute that can be mastered.

Painting should be a joy. The whole process should fill you with happiness, joy! Isn’t that a strong statement that implies that without it…well, you might as well give up. No. it is quite the opposite. But, to be clear, it is not the hilarious and excited kind of joy. More a inner happiness and sense of peace.
How many times did you experienced this feeling that you completely lost track of time, forgot where you are or who you are and was absorbed by the process of painting? And how many times did you experience that you where blocked? Couldn’t get what you wanted, seemingly having totally lost that long desired and appreciated ‘touch’. How many times did you experience that anger, that uncontrolable feeling of throwing that painting across the room? Both are magical moments which, with a paradoxale twist, are entwined together.
But how do you get yourself (back) in that zone of enjoying the whole process? How do you get yourself from outraged to serene calm and enjoying the process?

Well, if you’re indeed as angry that even the fires of hell don’t seem to upset you anymore, I think you indeed better take some distance from your process and have a good cup of relaxing tea. The idea is to not let yourself enter a state of frenzy. How? By cultivating one important espacts in the painting process: JOY. How do we do this? For one thing by focussing on the process only. Not on what it has to become. Not on how detailed it has to be and not on how many more layers, time and effort it needs before it’s perfect. No. Stop bothering yourself. You will get there anyway. Don’t rush yourself by focussing on the irrelevant stuff. Focus on what gives the most pleasure, the most joy: In this case Painting!! And I’m sure that this isn’t so hard for you. Because you choose to paint, to learn about painting, techniques and stuff, because it gives you so much joy.

It is the same with all the other stuff in life. I know, that when you are learning it might feel that this natural state of being in the flow and enjoying the fact that you don’t have to think about what the best approach is for this particular subject you want to paint, is hard to reach. But it isn’t. It isn’t your knowledge that will give you joy. It isn’t the experience that will give you joy. It is your own mindset that makes you choose. So choose to focus only on the process of painting. And this doesn’t mean that you don’t have to study hard to gain the appropiate know how, this means that this process includes the studies you make to learn, to make something your own or to understand matter. All those things should be done with the joy of the process. It is the same with drawing an object. Once you try to interpretate the object as something you can understand logically you will start to make weird mistakes. You disconnect yourself from the object by trying to understand what it is. But once you let this interpretation go and just look, you will amaze yourself by drawing exactly what you see.

So go out there and have fun! Enjoy whatever it is you’re doing! Really…!!! Do it!!

Right and wrong

An article written….

Last week I was being interviewed about an interesting topic: “Jesus”.This interview took place as part of a documentary. The focus was to get different kind of perspectives together about Jesus. 

During this interview an interesting sub-topic appeared (which couldn’t be attended accordingly due to a lack of relevancy to the subject) that I would like to address here.

In previous post I mentioned it as well but now I thought it be more relevant to write about it.

From the moment we hit this world as a new born we immediately are confronted with the sense that we have to make choices between one thing and another. But it doesn’t stop there. The ability to make a choice is an utmost important, valuable and conscious created ability and attribute for us to re-invent the experience of love. 

But we created this world so far that it has an immense strong distinction between things that are considered to be right and things that are considered to be wrong. 

To some point of perspective this sense of difference is inevitable to fully experience a linear reality experience. It gives the ability to experience the full possibility of choice making and to have the possibility to get an unlimited variety in how to experience one single moment in an unlimited amount of different ways. 

But an important element, call it insight, is almost purposely or consciously forgotten in this process of experiencing all this wonder. It is the inner knowing that in the root of our being this sense of difference, this separation and sense of right and wrong, does not exist. 

It feels almost impossible to put this “knowing” in words because this “knowledge” comes from a source where there is absolute no separation. How does one translate something which is shapeless, formless and consist utterly out of energy? Thank the universe there is no right or wrong way to do this 🙂

All is one. Including our lives and experiences now. And yet within this linear live we created for ourselves, on one hand it is imperative that we experience this sense of right and wrong, and on the other hand we need to remember what we are and merge it all together as to come to the point that we fully see, feel and experience that all is indeed one. It is a splendid paradox in grandeur. 

 

We are more than just this physical body. We are one with the source. Not subjects to or children from the source. No. We are part of it in the same way that a drop of water is the same as the sea. On its own it might have a partial different structure but when back in the sea it is the sea. 

When you realize this and feel it in your being you can do nothing but feel the joy and laugh about it…about everything. Because then you realize how insignificant, laughable, hilarious and beautiful our reality really is. 
So….right and wrong? Yes and no?

I leave it open. Realizing that nothing is fixed, including the concept of right and wrong, might give you a sense of freedom, an insight in how your reality is formed and how you move in this. 

As I often tell my students in art class; “There is no right or wrong way to do something. Try not to focus on how to achieve your goal but only on what you want and enjoy doing it. The process of doing knows very well how to do it or how to get where you want to be.”
Enjoy!